a Body of Meaning

„Der erste Schnitt geht tief. Er dringt weit in die Membran visueller Geschichten ein.

Dort seziert er ihre Konstrukte. Zerlegt Vorstellungen von Körpern und Zuschreibungen und befreit sie vom Verknüpftsein mit. … Bis es brach liegt, das zu Sein-Haben und Gelesen-werden. Von dort aus wird es neu zusammengesetzt. Der Eindeutigkeit entledigt.
Körperlichkeit, Identität und Fragen zur Repräsentanz sind maßgebliche Auseinandersetzungen der Künstlerin Anys Reimann. Ihrer künstlerischen Praxis, bei der verschiedene Materialien zusammenfügt und Formen, mannigfaltige Erzählungen und kulturelle Bedeutungen miteinander verschränkt und überlagert werden, liegt ein Verständnis von Identität zugrunde, das Hybridität und ein Speisen am »Topf aller Gesellschaften« als grundlegendes Muster für Identitätsentfaltung versteht.
Anys Reimanns Werke sind Begegnungen mit Personen im Plural.

Die erste Annäherung erfolgt über die Nase. Die Nase riecht.
Sie riecht den Raum. Die sich dort befindenden Arbeiten und die dort arbeitende Künstlerin. Die Nase ist schon da. Sie ist dem schweren unverkennbaren Patschuli-Duft gefolgt und bereits die Treppenstufen des Ateliers hinaufgegangen. Mit jeder Stufe, die nun auch der Rest des Körpers erklimmt, schiebt sich der Duft frischer
Lilien langsam in den Vordergrund. Die Ohren empfangen funkige Soul-House-Beats. Repetitiv vernehmen die Ohren den Bass.. bis die Augen an der Türschwelle ankommen. Erst hier, an der Schwelle, vermischen sich die Pflanzengerüche mit den Ausdünstungen von an der Wand hängenden Lederstücken, Kleber und frischer Farbe. Die Augen erkennen Bücherstapel mit Namen: Maya Angelou, Toni Morrison, Claudia Rankine, James Baldwin, Dylan Thomas. Die Augen blicken auf schwarze Lilien in einer Vase und auf
ein wogendes Meer aus Papierfetzen, das sich übereinander lagert, unter- und übereinander durch den Raum schiebt, teilweise zu kleinen Haufen sortiert und kategorisiert: Haare, Men, Schwarz-weiße Haut, Hände, Arme, Skin, Body Parts, Progressive Body, Indigenous Vintage, Black Skin Faces, Zebra Woman, Inspiration, Three Graces, Typography, Schmuck, Legs with Shoes, Smoker, Eyes, Mäuler, Schnäbel, Abstrakte Hintergründe, Räume, Hintergründe Welten, Natur, Helle Haut, Ausgeschnittene Ahnungen.
Nase, Ohren und Augen sind getrennt voneinander archiviert und werden jetzt komponiert.
Die vielen Objekte und Sinneseindrücke im Atelier von Anys Reimann geben einen unmittelbaren Einblick in ihre Arbeitsweise. In ihrem Kosmos agiert sie als Malerin, Architektin, Bildhauerin, Sammlerin, Parfümeurin, Lesende wie Schreibende. Sie zerlegt Körper, obduziert die Sedimente physischer Erscheinungen, um wiederum neue Schichten der Bedeutung zu erzeugen, indem sie verschiedene Medien in Andere übersetzt, mixt und gleichzeitig den Blick auf ihre Konstruktionsmechanismen richtet. Darin bedient sie sich an dem Konglomerat visueller Kulturen und Geschichten, festgehalten in Printmedien verschiedener Generationen wie Modezeitschriften, kunsttheoretischen Büchern und Literatur. Ihre künstlerische Praxis beginnt mit dem Sammeln, dem Durchforsten, mit den Bildern vor den Bildern. Das Gefundene wird aus den ursprünglichen Zusammenhängen gelöst, von begleiteten Körpern und Kontexten getrennt und geordnet. Der Aufenthalt in diesen Ordnungskategorien ist hingegen nur temporär. Sie sind lediglich dafür angelegt, um wieder aufgebrochen und vermischt zu werden, als Moleküle eines fluiden Systems – ein dynamisches Archiv, das sich noch in Papierfetzen liegend durch das Atelier wellt.
Aus einer kunsthistorischen Perspektive ist sowohl der weibliche als auch der Schwarze Körper (und insbesondere der intersektionale Körper) Projektionsfläche einer westlichen, männlichen und heteronormativen Perspektive. Anys Reimann entwickelt Strategien, die subversiv die Dekonstruktion dieses hegemonialen Diskurses einleiten. In ihren Werken werden weibliche Körper selbstermächtigt, inszeniert und durch eine emotionale Vermittlung von Gestik, Mimik, Haptik und Materialität getragen, die gegen eine heteronormativ-männlich geprägte Repräsentationslogik arbeitet. Besonders deutlich wird dies in der von Anys Reimann als Collage Paintings bezeichneten Serie Le Noire de ... eine Porträtreihe fiktiver Frauen*köpfe. Formvielfältig setzten sich diese Antlitze aus den Fragmen-
ten und Gesichtsbestandteilen einer Fülle von Druckerzeugnissen und Referenzen zusammen, die Reimann aus popkulturellen Quellen zusammengetragen hat.
Unabhängig von Hautfarbe und Geschlecht der abgebildeten Personen des Ausgangsmaterials wachsen die einzelnen Bestandteile, die individuellen Marker eines Gesichtes, zu einer neuen Person zusammen. Aufgerissene Münder, Brauen, die das Gesicht wie Arkaden überziehen, triumphale Frisuren sowie weite, häufig herausfordernde Augen. Mitunter strecken sie die Zunge heraus, rauchen demonstrativ und rücken damit in die geistige Nähe von Punks oder Drag Queens/Kings, die sich einer Festschreibung zu widersetzen scheinen und gegen die Konventionen der Lesarten protestieren bzw. damit bewusst zu spielen wissen. Diese Multifaces eröffnen kollektive, dynamische Konzepte von Identitäten gegenüber eindimensionalen Fremdzuschreibungen. Sie sind sinnliche und eigensinnige Gegenentwürfe zu gewohnten Porträterzählungen.
Der Titel Le Noire de ... verweist auf den gleichnamigen, 1966 erschienenen, Spiel-
film La Noire de... des senegalesischen Schriftstellers und Regisseurs Ousmane Sembène. Der Film folgt dem Leben der jungen Senegalesin Diouana, die in Dakar als Kindermädchen für eine weiße französische Familie arbeitet und diese nach Frankreich begleitet. Die damit verbundenen Vorstellungen von gesellschaftlichen Aufstiegschancen erfüllen sich für Diouana nicht, stattdessen potenzieren sich die Konflikte um Machtmissbrauch und Unterdrückung. Diouana leistet Widerstand, der in einem radikal destruktiven Ende gipfelt. Der Film thematisiert auf drastische Weise kolonialistische und rassistische Objektifizierung sowie kulturelle Aneignung.
Ousmane Sembène durchbricht in diesem Film den western gaze sowie verkürzende Fremdzuschreibungen wie »La Noire« (Die Schwarze).
Die hybriden Pluralpersonen von Anys Reimann folgen einer ähnlichen Strategie
des Widerständigen. Ihre zusammengesetzten Gesichter bilden nicht die Realität ab, sondern transportieren eine innere Haltung nach außen, die deutlich macht, dass sie die Deutungshoheit über sich eingefordert haben und nicht diskutieren.
In diesen Sinnzusammenhängen entwickelt Anys Reimann auch die Serie Big Women, aus der ‚Black Plateau’ als ihr erstes grosses Collage Painting, das 2020 entstanden ist, bezeichnet werden kann. In dieser Serie verwendet sie auch Codes aus der queer-feministischen Geschichte. Wie im Titel anklingt, handelt es sich hierbei um große Frauen*. Möglicherweise nicht ausschließlich
ein Verweis auf die Größe der Porträts und die Haltung der Personen, sondern auch ein Hinweis auf die popkulturelle Bedeutung des Ausgangsmaterials. So tragen die überkreuzten Beine Marlene Dietrichs den Torso der Allegorie der Nacht des Medici-Grabmals von Michelangelo. Anys Reimann sampelt Bilder einer male gaze-konstruierten ›Weiblichkeit‹, dabei »[...] verweist jedes Sample [...]
auf das Original, oder besser: auf eine frühere Version, und liefert mit sich selbst gleichzeitig eine neue Version.« Dabei setzt sie auf modische Erweiterungen und Accessoires. Ihre Figurinen, wie Reimann sie selbst bezeichnet und womit sie sprachlich im Bereich des Entwurfes verhaftet bleiben, tragen hohe Schuhe, vorzugsweise Plateauschuhe, die, wie etwa bei Black Plateau, überdeutlich als private, mobile Bühne, Plattform und buchstäblich als Trägermaterial in den Vordergrund gerückt werden. Die durch hohe Schuhe veranlassten dramatischen Gangarten und Haltungen untermalen die Konstruktion von Inszenierungen von Körperlichkeit. Nach der Design-Theoretikerin Anna-Brigitte Schlittler bildet der Plateauschuh, welcher in den Zwischenkriegsjahren erfunden wurde, die Antithese zu normierten, gedrillten Körpern, die etwa ein Marschieren ermöglichen, womit er einen Angriff auf heteronormierte Körper und Sichtweisen einleitet.
Wenn in den Collage Paintings von Anys Reimann Schnitte, Über- oder Nebeneinanderlagerung stellenweise sichtbar bleiben, so erzeugt sie durch ihre Übermalungen einen fließenden Übergang, der das Transformatorische und Fluide als Möglichkeitsraum von Körpern öffnet.
Hier vollzieht sich eine Öffnung vom Ich zu Allen. »Ich bin viele und weder noch« markiert eine Verwandtschaft mit der Welt,
die Anys Reimann als cultural appreciation versteht. Werke wie Bather, Das Balg, Dark Star Backyard und Elephant Woman, so erzählte mir Anys Reimann bei meinem Studiobesuch, sind ausgesprochen persönliche Bilder. In ihnen geht es unter anderem um Erfahrungen während ihrer Jugend in Duisburg und die Fragen, Sehnsüchte, Neugierde auf und Vorstellungen von »einer, von mir vermissten ›Black Community‹ und wie das Aufwachsen in einem mir unbekannten Heimatland meines Vaters, Guinea, hätte aussehen können.« (Anys Reimann) Was bedeutet es, afropäisch zu sein? Wie wächst man in einer Gesellschaft auf, in der europäisch als synonym für weiß erachtet wird? In der man willkürlich mit einem Kontinent in Verbindung gebracht wird, der einem unbekannt ist.
Schwarzer Garten ist eine sich stets erweiternde Installationsserie, die sich aus einem Beet dunkel blühender Pflanzen zusammensetzt. Erstmalig wurde sie unter dem Titel Wildwuchs, 2019 im Grafenberger Wald in Düsseldorf realisiert und 2021 für die Ausstellung Attempts to Be Many in der Sammlung Philara weiterentwickelt. Erfüllte die erste Präsentation am Wegesrand eines öffentlich zugänglichen Waldes noch die Ansätze natürlicher Voraussetzungen, so wirkte die Einpflanzung von Callas, Alocasias, Anthurien
und Heucheras in ein quadratisches Beet aus schwarzer Erde in einem weiß gestrichenen Ausstellungsraum hochgradig konstruiert – es hat den Pflanzen dort auch nicht besonders gut gefallen. Die von Anys Reimann viel gelesene US-amerikanische Autorin und Yale Professorin Claudia Rankine schreibt in ihren Werken Just Us und Citizen u.a. über Orte, an denen die physische Präsenz von Weißen besonders belastend ist. Ihr Gedicht sound and fury behandelt die hegemonialen Zustände von musealen Räumen, die sich symbolisch in das Weiß von Ausstellungswänden eingeschrieben haben:
 
‚White portraits on white walls signal ownership of all,
even as white walls white in’

Es ist nicht von der Hand zu weisen, »dass Museen Identität produzieren, ›Eigenes‹ und ›Fremdes‹ zum Thema haben, nationale Unterscheidungen (re)produzieren [...]“ und den White Cube als »Spiegel westlicher Selbstdefinitionen« und Wahrung vermeintlicher Neutralität und Objektivität entwerfen.
Im Nebenraum zu Schwarzer Garten präsentierte Anys Reimann ein Werk mit dem identitätsmarkierenden Titel A Self, ein Cut-Out, das von einer großen Sonnenbrille und einem geöffneten Mund mit herausgestreckter Zunge dominiert wird. Der Teil des Gesichtes, welcher die Haut zeigt, wurde ausgespart. Direkt an der Wand hängend, nimmt das Gesicht den Farbton der dahinterliegenden Wand an – in diesem Fall Braun (RAL 8017). Anys Reimann destabilisiert die Parameter des Ausstellens, indem sie selbst über ihr Framing entscheidet. Sie verschiebt den Rahmen, in dem sie ausgestellt wird, was einen produktiven kritischen Diskurs über ihn ermöglicht und einen Raum der Verhandlung über Identitätsbildung in öffentlichen Institutionen eröffnet. Diese Räume, Schwellen, Passagen und Übergänge machen das Werk von Anys Reimann so besonders. Es sind die drei Punkte hinter Le Noire de ..., die diesen
Handlungsraum auch auf sprachlicher Ebene kennzeichnen. In ihnen sind Prozess und Aktualisierung um Fragen zur Identitätsbildung bereits mitgedacht.
Wiederholt gebraucht Anys Reimann sprachliche Begrifflichkeiten der europäischen Kunstgeschichte assoziativ für ihre Titel, arbeitet ihnen jedoch entgegen. Bereits 2010 verwendet sie in ihrer frühsten Collageserie, Incarnat, einen Terminus aus der Malereigeschichte, der die Farbzusammensetzung und maltechnische Ausformung von körperlicher Oberflächenbeschaffenheit beschreibt, die aus verschiedenen Nuancen zusammengesetzt werden. Während der aus der Malerei entnommene Begriff einerseits Körperlichkeit erzeugen soll, in dem er Volumen und Haptik illusioniert, dekonstruiert Anys Reimann in dieser Serie zugleich jede Form von »menschlicher Gestalt«. Die nebeneinander gesetzten »body parts« verschmelzen zu abstrahierten utopischen Landkarten, ohne dabei ihre Körperlichkeit einzubüßen. Stattdessen stillt die Künstlerin das Bedürfnis nach taktiler Erfahrung über das Material, indem sie »unter die Haut geht« und die collagierten Papierfragmente auf synthetischen Lederschichten platziert.
Anys Reimann widmet sich allen Bestandteilen, die Identitäten ausmachen und zwischen Werden und Sein wachsen von der kleinsten Wesenseinheit, dem (Duft-) Molekül, über Mimik, Gestik und Haptik, über Namen, Kleidung, kollektive Codes und Kontexte.
Es mag kaum überraschen, dass Anys Reimann für die Ausstellung „Eintauchen in die Kunst“ im MUT Bochum, Situation Kunst, 3.5. - 8.10.2023, unter anderem eine Duftmaschine / Odorific machine (als Selbstporträt) entwickelt hat. Diese immersive, ‚immaterielle‘, Skulptur richtet sich an die olfaktorischen Sinne, um Nähe und Intimität zu erzeugen: »So setzt sich meine Kunst ›sinnlich‹ zusammen; vom kleinsten Teil ausgehend, sich definierend, aus vielen Einzelteilen, die sich zu einem Ganzen zusammensetzen lassen (können), um dann als Körper, einem Individuum aus vielen Facetten, in Erscheinung zu treten.« (Anys Reimann).

Beim Betreten des Ausstellungsraumes
ist die Nase schon da.“

2023

Katharina Klang ist freie Kuratorin
für Gegenwartskunst und Gründungs-
direktorin der Sammlung Philara, die
sie von 2016–2022 leitete. Sie studierte
Kunstgeschichte und Philosophie in
Düsseldorf und Prag. Neben ihrer
Arbeit als Autorin und Dozentin ist sie
im Board der Nan Hoover Foundation,
kuratierte Ausstellungen in Israel und
Kosovo und initiierte im Frühjahr 2022
im Verbund Rhineland Independent ein
Symposium über kulturelle Verantwor-
tung. Im Zentrum ihres Interesses steht
die Auseinandersetzung mit Erinne-
rungskultur, Archiven und Politiken des
öffentlichen Raums.